复制的力量+时装设计

　　如果有人想要探究复制的力量在当代视觉文化和设计领域中存在的潜在意义——就我们的时装设计领域而言——就必须要回顾历史，因为这个意义与地域性或全球性的生产消费是密切相关的。正如哲学家小户马奎德(Odo Marquard)曾经在其著名的文章中所说：“未来需要传统”(“future needs tradition”)。

　　就时装设计这个相对年轻的学科而言，上面提及的关注尤为重要。这门学科仍然需要拓展其自身的一个富有活力的理论——作为衔接传统与未来的一座精神桥梁——如果想从概念的层面上探究设计，这是不可或缺的。我们的所作所为就是把理论与实践、直觉与理性当作不可分割的同一行为，增进变化与创新的能动性：创造出具有时尚和价值力度的服装。

　　从这个意义上看，在不同社会中，时装系统的传统和制作衣服的传统不仅包括了广泛的材料属性，符号性，经济性和生态技术，还包括高度多样化的行为，思维和情感方式。作为一个要在上述多方面的传统中工作的设计师，意味着要充满激情并且不断探索如何将当下世界的元素转换到未来的事物上。通过这种探索，我们希望，传统自身能成为跃向未来的一个跳板。

　　从过去到当代再到未来的符号与技术的转换以及思维与感知的方式，曾经倾向于复制而且现在仍然围绕着复制的力量，其本身便是一种文化技术，也是连接从过去到未来的思维和感知的途径。没有哪种复制行为是不希望得到广泛的传播和为将来的某一刻带去些什么的。

　　如果回顾复制在19世纪末新兴的时装系统的核心位置的可能性含义，并联系市场在不断转变和成长的新现实，那么这一点就马上清楚了。在这方面起关键作用的是20世纪二，三十年代在国际上最具影响力的两位欧洲时装设计师的声明：Madeleine Vionnets的“复制就是偷窃”和Coco Chanels的“模仿是最高的奉承方式”。这两个相互矛盾的观点表明，如果将这两者综合：就混淆了一个客观的观点，即复制曾经并且现在仍对时装系统具有意义。

　　一方面，复制是经济上的一个威胁，它意味着收入上的损失：因为一个创意——就如Vionnet采用倾斜切割的新的设计漂亮礼服的方式——不再与真正的原创者具有关联。另一方面，某位时装设计师的作品被复制则表明广大公众对其设计的认可，对于时装设计而言这是至关重要的，因为时装设计是依赖公众的包容性与排他性的并存而维持的。或者就如德国社会学家Georg Simmel曾在大约1900年所言：如果每个人都穿着“它”，那么一个新的时尚必定要到来，因为时尚的宗旨在于体现人与人之间的区别。

　　再从另一方面说，任何新的时装趋势都还需要有强大的群体来响应，使之成为风格上的一个真实有效的运动。这似乎是显而易见的：一个提供时装教育的学位课程的学院，其教学的重点首先是放在理论和生产实践上，其次才是对消费问题的关注。由于消费仍然是时装设计和时装历史的最主要部分的研究内容(即时尚也是一种交流方式)，我们把复制的力量看作是对产品的一些关键点进行深入探讨的一个案例的挑战。

　　上述关键点之一无疑是上文提到的著作权，无论是Roland Barthe所宣称的“作者的消亡”，还是 Michel Foucault提出 “谁是作者?” 的质疑——双方提出的观点都有了将近50年的历史——我们比以往任何时候都更直接地面临这个问题：与作者身份相关联的复制的含义什么。著作权是一个相对年轻的概念，有关知识产权的法律和哲学思想产生于18世纪后半叶，当时“真正的”著作权被定义为：以独立的/个人的方式去表达事物的能力。对一个文本的复制——正如原有的复制的含义所表明——现在被看作是和过于贴近现实本质的模仿行为一样糟糕。

　　因此，如果有人把著作权看作一种期望，即设计师基于个人的表达方式去制作的“原创”作品，那么复制确实会引发一些问题。但是，如果有人把著作权看作设计中的一种力量，即提出带有普遍兴趣的并能介入社会的普遍发展的设计答案，那么复制就具有另一种含义了。多数情况下，在时装设计领域中如何处理个人的表达和客观的、广泛需求之间的高度微妙的关系是一个根本性的议题，因为时装设计不只是与人的身体发生关系。

　　在巴塞尔的艺术与设计大学的研究院里，一直持续着对时装自身演变的研究，通过提供致力于自主研发服装的生产流程，将这些的极点相异的元素融合在一起。

　　如果有人把某个人的身体当作每一款服装设计的母体，而每一次时尚又因此必须要启动，那么有人可能会说，这个人的生理参数常常需要被破解，并因此被放入到一个审美价值的体系和测量技术之中。这些测量方法和价值观既是固定的，但同时也是变化的，它们是伴随并通过时尚而得以发展的。

　　如果有人把某个理想化的体型的人体数据作为模板去“复制”，那么“最初的”“完美的”服装将会是一套紧身衣：由某个时尚的模型所破解的一个对“自然形式”的完美“复制”。但如下一点至关重要：一方面，是在实际的运动文化中得以体现的真实的人类结构中的个人的动态，另一方面，则是静态雕塑的效应，这两者只有进行紧密的对话，才会最终激发出真实而富有力度的时装/衣服。

　　时装设计研究——包括在上文中所有提到过的研究领域——是围绕其自然的或人工的形体以及它们各自的“复制”主题而展开的，推进这个研究意味着使用更多的自由方式去塑造这些形体。换言之：对不同身体的复制，将永远是(与传统相关联的)通向对服装剪裁的全面诠释和技艺转型的跳板。

　　想象一下：在一个大厅的中央矗立着一个BONAVERI的模型，在这个模型下方站着一个年轻的女孩/男孩。再想象一下：一颗有八方射线的星状灯在大厅中间散发出光芒，每一条射线都是由从一年级到三年级的学生的作品组成，它们按照以下标准分组：运动，空间，效果，材料，比例和各种构成姿态。再想象一下：这颗星状灯开始旋转并越来越快，你将会看到我们想揭示的是在身体，复制和时装之间的关键性结盟。

　　（Bettina Köhler 教授，博士，设计理论与设计史讲师，瑞士巴塞尔艺术与设计大学时装设计学院。）