踏上自己的节拍

　　一

　　“A+A”作为偏锋新艺术空间从创办开始就一直在推广的展览项目，至今已有六届。从2010年开始，采取双年展的模式向前推进。七年六届的时间中共有92名全国各地的艺术家参与，其中25人多次参加，他们通过“A+A”这个展览平台逐渐被大家熟知。

　　这种展览形式最初从美院学生需要展示作品的强烈需求中产生，但与此同时，在展览的过程中，它又是作品再创造、作品再发声的一部分。大家意识到：展览活动、批评活动和创作活动之间的界限逐渐被模糊，真正的主题“如何表达自己的态度”显现出来。

　　从2006年开始，“A+A”展览见证和参与了中国当代艺术的起伏变化。在当代艺术市场一片大好，各种流行、模仿大行其道的时候，展览选择了一条坚持自我的道路：有内心、不盲从。

　　二

　　A+A第六回展邀请了Detlef Waschkau、高波、姜吉安、李岱昀、卢征远、马文甲、蒙志刚、田田、王俊艺、袁佳、张业兴、钟照等12位艺术家。在全球地理疆界和内在感触逐渐被形式化的今天，德国艺术家Detlef Waschkau加入到展览的队伍中，怎样表达成为调和剂把处于不同文化核心的地域艺术家变得相互理解和沟通，成为一部属于想象性的小说。这也是“A+A”展览在以后会一直延续的自由做法，自由抵制限制。

　　卢征远创作媒介是丰富多彩的，这里展出的是他的写实绘画。但写实技术在这里成为了艺术家要表达的主题，艺术作品是既表现时间又是使时间具体化的混合物;

　　姜吉安检验个体在媒介(宣纸)中的存在，是通过反复的在宣纸上渲染产生的，身体在时间的推进中达到高难度的技术宣泄，将个体的工作精神融入画面中，传达出来极个人的冷静的膨胀意识;

　　在搜索“时间”这一概念时，田田发现特定时间的情境无孔不入，情感的智力齿轮在特设的时间场景中自觉自愿地流出温暖;

　　Detlef Waschkau的画面由很多不同时间段中时间和空间事件组成，用德国人的视角，通过木刻浅雕的蒙太奇手法，表现中国当代生活中五花八门的视觉百态;

　　高波作品仿佛都藏着一种秘密，这是一个恰到好处的立场，是一种包容的认识态度。浪漫、暧昧、清晰可辨，是对世界复杂性的一种超脱认可;

　　拍摄日常可见的物体，再将此拍摄之物进行微观化放大处理是王俊艺作品的运用手法，他将日常的所见之物进行放大，熟悉的事物变成另一种物质，以此来引导对视觉的思考;

　　蒙志刚置身于对空间的探索中，将其进行人文性地表达;

　　张业兴把描绘的场景设置成为自我的藏身之处，通过对现实物件的描绘避开了掌控他人和被他人所掌控的可能性，将自我形象缓慢地隐藏在表象之后;

　　李岱昀的画面存在多种可观看的视角，画面中的形象成为她气质散发的载体，既运用了形象，同时又超越了形象本身，使得各种观看方式成为可能。画面自然而然地带出强烈的情绪和气场，女红似的工作方法与外在筋骨的结合，外似粗犷不羁，实际上是细腻之后的释怀;

　　钟照挪用老房子被拆掉的木门和砖头这些生活中的现成品，用绘画的工作方法将这二者融合。木门和砖头在这种转化中其本身材料的社会性又被重新解释，卸掉的门和被拆碎的砖头是我们正处于各种变化状态中的代名词;

　　都在使用木头作为材料，马文甲偏重对雕塑中以物反物和古典形式的探索，作品加入很多人文观点在里面。藏在木头书和档案袋里的眼睛，我们可以说物体本身在空间中的存在是一种有意识的存在;袁佳的作品则是诙谐的，工科组装式的结构更像是一个大玩具。相对于马文甲，袁佳并不过多关注意识活动，而更重视作品在情境中是如何生效的，作品中多次出现能与主体发生关系的配角，整个作品更像是一个剧场性和浪漫性很强的生活乐园。

　　对不同形象的热情发掘，使艺术多种不同的表达变得可寻。在中国当代艺术一直线性运动发展的今天， 一切皆有可能，个个都可言说。正如“A+A”起始之初，不是因为风格手法的趋同，也不是表达主题和内容的相似而有了持续的六届展览。恰恰是“A+A”字面上所凸显、坚持和关注的态度——即正视个体独立和个体差异的态度，这是参展艺术家的创作态度，是策展人选择参展作品的态度，更是“A+A”这个展览始终想要传达给观众观看作品的态度。一路高低起伏走来，远不是坐看云起之时，现在急切要听到的是如何才能踏上自己的节拍。“A+A”这个展览平台会一直精神饱满地向前推动。

　　文/焦雪雁