艺术的玩家

　　提到这次展览，孙大为就一个字：玩。

　　所以在这个展览里面你会看到各种各样的艺术形式，有画，有装置，有行为。在孙大为的脑海里，艺术就应该是玩出来的。这个漂洋过海的艺术家，如今五十有余，对于艺术创作这件事情仍旧是精力充沛，当下很多年轻艺术家都未必能像他这样“倒腾”，而在他这个年纪的艺术家也有不少人开始松懈了。如果你跟他讨论一个艺术家创造力的黄金时代，他会告诉你：在美国，五十岁的男人叫boy。他说他的艺术生活才刚刚开始，他对此充满激情并感到期待。

　　他希望展览里关于他的简介是这样的：孙大为，男，双子座，AB型，动手能力强 自恋。

　　所以我们也就打算这么做了。

　　观念的渐进

　　九零年代的中国社会转型速度加快，人们的政治热情相对回落，消费主义思想抬头，中国当代艺术与国际当代艺术主流社会也发生了实质性的碰撞和交流。正是在这个时候，孙大为来到美国，也是在这个地方开始了他对于艺术的更宽阔的思考。

　　他给我描述了他在美国看见的两件令他印象深刻的作品。

　　第一件是《无鸣展》(艺术家口译)。当时进入展厅的时候，一千平米的地方什么都没有。他拿了酒在屋子里转，在画廊助理的指引下来到画廊的中间，看见一个方坑，是纽约的下水道。中间放着一具无首无四肢的女人体雕塑，肚脐作一下水漏。女人体在水里泡着，水就通过肚脐眼儿想下水道流去。他问画廊助理这个展览的意义，她告诉他说，艺术家就是希望能让他们充分的去想象这个展览。

　　第二件是他在NY Art Expo上看到的一辆用了厚厚的一层黄油包裹起来的卡迪拉克汽车。当他问这件作品的艺术家为什么要做这个作品的时候，这个艺术家回答他说：越好的东西越要把它包裹起来，黄油可以可以可绝空气，让每一个东西永恒。

　　后来孙大为开始寻思这样一个问题：什么是当代艺术?

　　他对此是这样解释的：所有的艺术最后都归结在一个点上，就是你可以站在屋里的任何一个地方去想象这个展览。艺术家从现实中拿直接的对象进行创作，他展示的是他对有感的事物所产生的艺术概念，其实艺术家的创作是他的思考过程，也是其意义所在，至于作品搁那儿了，创作过程也就已经结束了。

　　所以，在现在的孙大为的创作中，思考的过程是一件非常重要的。这个思考是广义的。一方面，艺术家对于自己的创作，一开始就会有个大方向。在往创作的大方向道路上，往往会滋生出许多新的想法，有许多新的发现，它们往往使艺术家想表达的意思更为丰富和坚固，也有可能颠覆一开始的成为一个新的方向。另一方面，大多数情况下观众会去思考艺术家究竟想要表达什么，但这样会使艺术创作被局限了。所谓“一千个读者就有一千个哈姆雷特”，这才是一件真正意义上的艺术作品 ---- 艺术的意义应该是开放的，不仅在于艺术家，而是它的存在能给更多的人提供思考的空间。从这个层面上来讲，这就必然引发艺术家对创作形式和材料的思考，促成了这两者的多元化;这两者同时又反过来要求艺术家具备更多的能力。正因为如此，孙大为才从最初的架上绘画往更多的艺术形式上去发展。

　　这次展览的很多作品，都是在布展期间不停的产生的新的想法和随机调整而创作出来的，也就是说，现在你们所看到的东西，有不少是意外之作。在孙大为的眼里，艺术家应该有着很强的综合能力，应该是全方位的。艺术家不仅仅是一个画工，就拿两个英文单词来说，“painter”是“画家、画师”;而“artist”则是“艺术家”。所以，他希望能够把自己目前的全部能量尽可能的释放在这一次展览上，就如我所认为的，艺术家应该为了更好的表达而“不择手段”。

　　关于记忆的艺术，也是艺术的记忆

　　出生于六零年代，又于八零年代中后期大学毕业的艺术家，这样的时代总是造就了他们在成长和走上社会的背景特殊的经历，热衷于记录现实的碎片，强调自身的生存环境。孙大为的经历很丰富，不仅仅是漂洋过海去了美国，最为珍惜的还是那段留在北京的年少轻狂，先是当了兵，然后上的大学，所以他的作品里面不乏带着对于那个年代的回忆。孙大为坚持的创作是关乎他的生活的。